Attività

La compagnia Anagoor è fondata a Castelfranco Veneto nel 2000, configurandosi fin da subito come un esperimento di collettività. Oggi alla direzione di Simone Derai e Marco Menegoni continuano a unirsi artisti e professionisti che ne arricchiscono il percorso e ne rimarcano la natura di collettivo. Il teatro di Anagoor risponde a un’estetica iconica che precipita in diversi formati finali dove performing art, filosofia, letteratura e scena ipermediale entrano in dialogo, pretendendo tuttavia, con forza e in virtù della natura di quest’arte, di rimanere teatro. Dal 2008 Anagoor ha la sua sede nella campagna veneta, presso La Conigliera, allevamento cunicolo convertito in atelier. Anagoor, che negli ultimi anni ha catalizzato l’interesse della scena italiana ed europea, è stata insignita – tra diversi altri premi – del Leone d’Argento per il Teatro alla Biennale di Venezia nel 2018 ed è artista residente del teatro tedesco Theater an der Ruhr.

Claudio Beorchia è artista interdisciplinare e ricorre spesso a pratiche relazionali e partecipative. Ha studiato Design e Arti Visive all’Università Iuav di Venezia all’Accademia Brera di Milano; ha conseguito il dottorato in Scienze del Design presso la Scuola di Dottorato dello Iuav. Attivo dal 2010, tra le mostre e i progetti personali si segnalano: “Com sonen aquests llocs”, Museo Mucbe, Benicarlò, Spagna, 2023; “Characters and Spaces”, Artists Unlimited Gallery, Bielefeld, Germania, 2023; “Tra cielo e terra”, Museo di Fotografia Contemporanea, Cinisello Balsamo, Milano, Italy, 2019-2020; “Aurale”, Gallerie dell’Accademia, Venezia, 2019. I suoi lavori sono stati inclusi in mostre collettive in sedi quali: Palazzo della Triennale e Palazzo Reale a Milano; Scuderie del Quirinale e Mercati di Traiano a Roma. Tra le istituzioni che hanno in collezione i suoi lavori: Direzione Musei Lombardia, Milano; Gallerie dell’Accademia, Venezia; Museo di Fotografia Contemporanea, Cinisello Balsamo, Milano; Polo Museale della Campania, Napoli. La sua pratica artistica lo porta a privilegiare la residenza artistica come modalità congeniale di lavoro. Nel corso della carriera ha partecipato ad una trentina di programmi di residenza. Fra le residenze si segnalano quelle presso: Tides Institute, Eastport, Maine, U.S.A., 2022; Serlachius Museum, Mantta, Finlandia, 2018; Art Omi, Ghent, New York, U.S.A., 2017; Viborg Kunsthal, Viborg, Danimarca, 2015; Swatch Art Peace Hotel, Shanghai, Cina, 2013.

Sara Bonaventura è un'artista visiva, che lavora intersecando linguaggi, tra visual and media arts, lens based and new media. La sua ricerca, fortemente legata a studi di genere, approcci genealogici interdisciplinari, ethos fantascientifico, tra media archeology e nuove tecnologie, si focalizza su alcuni nodi quali la performatività dei corpi, la trans-corporeità, il post-nature. Ha esposto internazionalmente: all'Anthology Film Archives di New York, al San Francisco Independent Short Film Festival, all'Ann Arbor Film Festival, all'Asolo Art Film Festival, alla Nuit Blanche di Montreal, al Matadero di Madrid, al Miami New Media Festival, l’Athens Digital Arts Festival, al MACRO Museum di Roma, alla Cinemateca del Museo de Arte Moderna di Rio per Dobra Festival, al Museo d’arte moderna di Salonicco per Videolands, il festival CODEC di Città del Messico, all’Annual Aarhus Film Festival, all’Echo Park Film Center di Los Angeles, alla Boston CyberArts Gallery, all’International Symposium for Electronic Arts, a Gwangju, Sud Corea. Il suo primo documentario di lungometraggio, Forest Hymn for Little Girls, ha debuttato fra gli altri al Thessaloniki Documentary Film Festival e all’Ortigia Film Festival.

Marina Caneve (1988) è artista e sviluppa progetti di ricerca dove è centrale la contaminazione tra linguaggi e discipline. Il linguaggio che predilige è la fotografia. Nella pratica di Caneve è centrale il tema della stratificazione e i suoi progetti nascono prevalentemente dalla messa in discussione delle narrazioni stereotipate e frontali. Attualmente si sta concentrando sull'idea di ecosistemi sia ambientali sia culturali.

Nel 2023 Caneve è vincitrice della dodicesima edizione di Italian Council con il progetto A terra tra gli animali, esposto nel 2024 presso UGM Maribor Art Gallery, Slovenia, e FMAV Fondazione Modena Arti Visive. Nello stesso anno è vincitrice del PAC Piano per l’Arte Contemporanea con il Comune di Savignano sul Rubicone e di Strategia Fotografia con il progetto Calamita/à. Con Are they rocks or clouds? ha vinto numerosi premi, tra cui Giovane Fotografia Italiana (ora premio Luigi Ghirri), il Dummy Award a Cortona On The Move, il premio Bastianelli per il miglior libro fotografico italiano ed è stata nominata per il Prix du livre des Rencontres d’Arles. È stata anche finalista del C/O Berlin Talent Award (2021) e del Premio Gabriele Basilico (2020). Il lavoro di Marina Caneve è stato esposto in istituzioni nazionali e internazionali tra cui il MAXXI a Roma, Fotohof a Salisburgo, l’Institut Néerlandais a Parigi e La Triennale di Milano e fa parte di collezioni pubbliche e private tra cui Museo MAXXI, l’ICCD, il MUFOCO e il Museo Nazionale della Montagna. Ha realizzato campagne fotografiche tra le quali Atlante Sapienza 22, MAXXI; Italia Inclusiva, MAECI; Tredici sguardi sui Musei Lombardia, Direzione Musei Lombardia; Atlante Architettura Contemporanea, MiC e Mufoco; Unesco, ICCD; Marghera on stage, Padiglione Venezia, La Biennale di Venezia. Dal 2013 è co-curatrice del progetto CALAMITA/À, una piattaforma di indagine interdisciplinare che esplora il tema della catastrofe a partire dal caso studio del Vajont. Nel 2023 il progetto è risultato vincitore del bando Strategia Fotografia. È tra gli artisti invitati da CAMERA Torino al progetto europeo FUTURES. 

Tra le principali pubblicazioni: “On the ground among the animal” (Fw:Books), “Calamita/à. An investigation into the Vajont catastrophe” (Fw:Books), “Io sono contemporaneamente” (Dario Cimorelli editore), “Are they Rocks or Clouds?” (Fw:Books), “Di roccia, fuochi e avventure sotterranee” (Quodlibet), “La forma dell'acqua svanisce nell'acqua” (A+M). Caneve combina la sua ricerca artistica con l’insegnamento: ha insegnato presso il Master IUAV in Photography ed è attualmente docente presso CISA Locarno, LABA Brescia e Spazio Labo’, oltre a curare workshop per diverse istituzioni.

BASE 9 è un’associazione culturale fondata nel 2022, che si occupa di progetti performativi, partecipativi, formativi e di ricerca attraverso il movimento, la danza e la coreografia. BASE 9 esplora processi di co- immaginazione e co-creazione radicati in un'idea di reciprocità, scambio di esperienze e prospettive, in cui le poetiche collettive e individuali si nutrono a vicenda. I progetti sviluppati sono stati ospitati presso numerosi festival, musei, spazi urbani e naturali. Il team ha esperienza nel collaborare con professionisti e professioniste della danza e di altri ambiti, e ha sviluppato parallelamente un'attenzione per pratiche di movimento per le comunità.

Anna Serlenga (1982) lavora sia nella pratica teatrale e performativa che nella ricerca teorica. Diplomata all’Università IUAV di Venezia in Scienze e Tecniche del Teatro, è dottore di ricerca in Cultural Studies presso l’Università di Palermo. Dal 2012 al 2018 vive e lavora in Tunisia, dove ha fondato il collettivo artistico multidisciplinare Corps Citoyen con il quale vince finanziamenti internazionali e partecipa a diverse Biennali ("Dream City Festival" nel 2017; “Jaou”, “Manifesta 12”, “Valletta 2018” e “Matera Capitale della Cultura” nel 2018; "Kamel Laazar Grant" nel 2019), e dove insegna alla Facoltà di Scienze Umane dell’Università di Sfax. Ha collaborato, in qualità di formatrice teatrale, con l’Institut Supérieur d’Art Dramatique (ISAD) e l’Istituto di Cultura Italiana di Tunisi. Dal 2018 rientra in Italia, dove collabora come assistente al laboratorio condotto da MOTUS per Iuav - Teatro e Arti Performative, dove è successivamente progettista e networker europea fino a fine 2019 ed in seguito assegnista di ricerca post - dottorato (2021). Attualmente vive a Milano, è regista teatrale per CORPS CITOYEN che è tra gli associated artist di Base Milano per il triennio 22-24 e parte delle rete europea IN SITU e co-direttrice artistica del centro d’arte decoloniale Milano Mediterranea.

Oliviero Fiorenzi (1992), nato ad Osimo da dieci anni vive e lavora a Milano. Vivendo tra questi due contesti, ha sviluppato una particolare sensibilità per il tema del paesaggio. E
attraverso il suo vissuto personale, costruisce un complesso apparato segnico figurativo; grazie al quale entra in relazione con il contesto in cui opera producendo installazioni
pittoriche e scultoree. Ha esposto in gallerie, fondazioni e musei e collabora con Università e associazioni no profit tra cui: The Address a Brescia, Sonnenstube a Lugano, Fondazione
Feltrinelli e La Triennale a Milano, Ex-Dogana a Roma, La Mole di Ancona e la Manifattura Tabacchi di Firenze, Università di Inegneria di Firenze e Dynamo Art Factory. Per tutta la
durata del 2024 è ambasciatore del quatiere 8 per Pesaro Capitale della Cultura.
Oliviero Fiorenzi, attento alle variabili presenti nel contesto in cui opera, sviluppa la sua ricerca grafica/pittorica a partire dal suo vissuto personale, attingendo all'immaginario che sviluppiamo negli anni dell'infanzia e dell'adolescenza. Questo è il periodo in cui esperiamo il mondo attraverso le forme del gioco, ed è proprio attraverso queste esperienze, vissute e poi metodicamente ricordate, che Fiorenzi ha sviluppato la sua mitologia personale: un alfabeto visivo in costante aggiornamento, strumento con il quale costruisce a seconda del
progetto, nuove architetture di significato.

Malmadur nasce nel 2013 con lo spettacolo LEAR/Del conflitto generazionale, vincitore del Premio OFF 2013 del Teatro Stabile del Veneto.
Malmadur in friulano, trentino e veneziano antico significa “acerbo, immaturo”, a sottolineare l’approccio di continua ricerca, risultato della contaminazione tra i diversi campi di formazione dei sette membri della compagnia.
La compagnia crede in un teatro fondato su un lavoro lento, multidisciplinare e collettivo, che cerca il rapporto diretto col pubblico, l'ironia e al contempo la messa in crisi delle certezze dello spettatore.
Nel suo percorso artistico la compagnia ha sviluppato drammaturgie fluide e indeterminate, imperniate sulla partecipazione reale del pubblico e sulla decostruzione del rapporto tra attore e testo. Il linguaggio della compagnia guarda al teatro contemporaneo europeo, costruendo dispositivi scenici non convenzionali per ripensare insieme il presente.